A veces no importa cuantas películas vemos, sino cuantas veces necesitamos volver a verlas y disfrutarlas como la primera vez.
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Diva del Día: Audrey Hepburn en Roman Holiday
_01.jpg "Roman Holiday, La princesa que queria vivir, Audrey Hepbur & Gregory Peck") |
Don't Look Now (1973)
Este es un buen momento para una critica subjetiva que comienza con una anecdota:
"
La primera vez que vi Muerte en venecia, en medio de un frenezi cinefiilo en el que sacaba tres films cada dos dias de la biblioteca de mi universidad en ese entonces... (ni podias chequear Imdb, ni google tan rapido, tenia que ir a ciber cafe, y no era el siglo pasado, era 2004. Recuerdo que ni celular tenia todavia.) pongo en mi vhs si era un cassete, la videoteca... Ahhh.
En fin esperaba encontrarme con una de misterio y alguna muerte en venecia...
Cual sera mi sorpresa que si iba a ver una muerte pero todo seria un melodrama viscontiano (ahora
En fin esperaba encontrarme con una de misterio y alguna muerte en venecia...
Cual sera mi sorpresa que si iba a ver una muerte pero todo seria un melodrama viscontiano (ahora
Two for the Road (1967)
Saben, mientras miraba este film me cayó la ficha que el tema de este post no iba a ser otro que mi confesión expresa de que he sido una tonta. Una tonta. ¿Como no pude verlo antes? Digo, el tema de este post no es mas que mi aceptación de que me he equivocado demasiado con Stanley Donen, y quiero pedirle disculpas sinceramente, porque yo quiero mas a Vicente Minnelli, y me saca de mis casillas que todos me digan que "Cantando Bajo la lluvia" es el mejor musical de la historia del cine... me pongo como un gremlin al que le cayó un vaso con agua y empiezo a escupir frases como "¿A caso te viste toda la historia del cine para saber si eso es cierto?" "¿El mejor para quien?" "¿En que te basas para hacer tal afirmación con tanta ligereza de espíritu?".
Y entonces me olvido que en mi "vehemente" defensa sobre el valor artístico y autoral de Vicente no tendría porque llevarme a los extremos de querer hundir al pobre de Stanley... de hecho yo lo quiero mucho a Stanley también y después de todo, el unico director que el resto de la humanidad parece recordar cuando le hablas de "películas de antes" son a Hitchcock y luego muy a lo lejos Orson Wells. Nadie te nombra a Stanley Donen, George Cukor, Vicente Minnelli,Billy Wilder, Frank Capra, William Wyler, Michael Curtiz, Nicholas Ray o Joseph Mankiewicz a primeras... y sin embargo todos ellos tienen por lo menos UNA que CONOCEMOS TODOS... entonces ¿porque insisten solo en elegir chocolate y Vainilla cuando hay tantos sabores?.
Por eso mis mas sinceras disculpas para Stanley Donen, lo siento, es que tus musicales están llenos de escenas tan icónicas que son brillantes y amo: se que un día si piso Francia, voy a bajarme del avión cantando "Bonjour Paris", mejor ni menciono On the Town, ni Royal Wedding... porque me siento culpable de que no haya visto antes que tus diferencias con respecto a Vicente te hacen particular y grandioso a tu manera.
Tenía que ver Two For the Road para darme cuenta: "Este tipo es un genio".
Sus films me gustan porque están en el limite : cuando pudo sacar las cámaras afuera, a rodar en escenarios naturales lo hizo, y creo que esa es una de sus mayores ventajas: el logró integrar la estructura de industria, de los estudios con sus decorados imponentes y darle otra dimensión a las escenas, como la llegada a Paris en Funny Face, y la llegada a New York de los marineros en On the Town. Lo que ahora nos parece una obviedad, antes no lo era tan asi: si vamos a hablar de New York, vayamos a grabar en la ciudad real, si vamos a hablar de una chica que quiere visitar paris como sea, vayamos a Paris.
Por otra parte esta el desarrollo de sus personajes: creo que amé Two for the Road por sus similitudes con Charada (es mi película Donen Favorita) y es que Hitch no tenía la comedia tan incorporada, Hitch lo tenía a Cary que ponía comedia, pero sus guiones -siquiera Para atrapar al Ladrón- tenían la frescura que atraviesa Charada. Y es que para mi la FRESCURA se llama AUDREY HEPBURN, todos sabemos que Hitch sólo conocía un color de cabello para las "chicas" y ese era el rubio. Stanley sabe que su fuerte es no salirse de la estructura, sino ampliarla, siempre te cuenta una historia de principio a fin pero el énfasis esta en el COMO: Charada es su film "a La Hitchcock" en apariencias, y sin embargo, amplia la estructura "Suspense" y "romance" con escenas de comedía y giros enloquecidos.
Two For the Road es la película "Nouvelle Vage" de Stanley: -¿notaron como cuando está con Audrey explota su lado Parissiene a morir?-: es la historia de dos personas que se aman, aunque su presente no es nada favorable, sino todo lo contrario, los episodios que los unen y los separan a lo largo de los años: desde los 50 a finales de los 60, con la linea temporal completamente des-articulada. El montaje de las escenas es increible, pero lo mas increible son las escenas en si, su naturalismo, en el sentido de que desde el comienzo logra comprar al espectador que se encuentra riendo, llorando, emocionándose y sobre todo diciendo " pero tal cual!", disfrazando una mega producción hollywoodense en algo que parece una "película francesa de esa época", de hecho, bien podría confundirse con Un hombre y Una mujer de Lelouch... si Stanley no se hubiera metido ya en el intrincado camino de las parejas y terceros en discordia y parejas en discordia, junto con The Grass Is Greener.
En fin... espero que me sepas disculpar Stanley, lamento olvidarme que me encantan tus películas cada vez que salto a defender a Vicente Minnelli y Un americano en Paris. A partir de ahora voy a decir lo siguiente: No digan Singin' in the Rain si no vieron Charada o Two For the Road para confirmar a ciencia cierta que Stanley Donen es un genio y mucho mas que "Ah el de cantando bajo la lluvia".
Saludos amantes del Séptimo Arte
Y entonces me olvido que en mi "vehemente" defensa sobre el valor artístico y autoral de Vicente no tendría porque llevarme a los extremos de querer hundir al pobre de Stanley... de hecho yo lo quiero mucho a Stanley también y después de todo, el unico director que el resto de la humanidad parece recordar cuando le hablas de "películas de antes" son a Hitchcock y luego muy a lo lejos Orson Wells. Nadie te nombra a Stanley Donen, George Cukor, Vicente Minnelli,Billy Wilder, Frank Capra, William Wyler, Michael Curtiz, Nicholas Ray o Joseph Mankiewicz a primeras... y sin embargo todos ellos tienen por lo menos UNA que CONOCEMOS TODOS... entonces ¿porque insisten solo en elegir chocolate y Vainilla cuando hay tantos sabores?.
Por eso mis mas sinceras disculpas para Stanley Donen, lo siento, es que tus musicales están llenos de escenas tan icónicas que son brillantes y amo: se que un día si piso Francia, voy a bajarme del avión cantando "Bonjour Paris", mejor ni menciono On the Town, ni Royal Wedding... porque me siento culpable de que no haya visto antes que tus diferencias con respecto a Vicente te hacen particular y grandioso a tu manera.
Tenía que ver Two For the Road para darme cuenta: "Este tipo es un genio".
Sus films me gustan porque están en el limite : cuando pudo sacar las cámaras afuera, a rodar en escenarios naturales lo hizo, y creo que esa es una de sus mayores ventajas: el logró integrar la estructura de industria, de los estudios con sus decorados imponentes y darle otra dimensión a las escenas, como la llegada a Paris en Funny Face, y la llegada a New York de los marineros en On the Town. Lo que ahora nos parece una obviedad, antes no lo era tan asi: si vamos a hablar de New York, vayamos a grabar en la ciudad real, si vamos a hablar de una chica que quiere visitar paris como sea, vayamos a Paris.
Por otra parte esta el desarrollo de sus personajes: creo que amé Two for the Road por sus similitudes con Charada (es mi película Donen Favorita) y es que Hitch no tenía la comedia tan incorporada, Hitch lo tenía a Cary que ponía comedia, pero sus guiones -siquiera Para atrapar al Ladrón- tenían la frescura que atraviesa Charada. Y es que para mi la FRESCURA se llama AUDREY HEPBURN, todos sabemos que Hitch sólo conocía un color de cabello para las "chicas" y ese era el rubio. Stanley sabe que su fuerte es no salirse de la estructura, sino ampliarla, siempre te cuenta una historia de principio a fin pero el énfasis esta en el COMO: Charada es su film "a La Hitchcock" en apariencias, y sin embargo, amplia la estructura "Suspense" y "romance" con escenas de comedía y giros enloquecidos.
Two For the Road es la película "Nouvelle Vage" de Stanley: -¿notaron como cuando está con Audrey explota su lado Parissiene a morir?-: es la historia de dos personas que se aman, aunque su presente no es nada favorable, sino todo lo contrario, los episodios que los unen y los separan a lo largo de los años: desde los 50 a finales de los 60, con la linea temporal completamente des-articulada. El montaje de las escenas es increible, pero lo mas increible son las escenas en si, su naturalismo, en el sentido de que desde el comienzo logra comprar al espectador que se encuentra riendo, llorando, emocionándose y sobre todo diciendo " pero tal cual!", disfrazando una mega producción hollywoodense en algo que parece una "película francesa de esa época", de hecho, bien podría confundirse con Un hombre y Una mujer de Lelouch... si Stanley no se hubiera metido ya en el intrincado camino de las parejas y terceros en discordia y parejas en discordia, junto con The Grass Is Greener.
En fin... espero que me sepas disculpar Stanley, lamento olvidarme que me encantan tus películas cada vez que salto a defender a Vicente Minnelli y Un americano en Paris. A partir de ahora voy a decir lo siguiente: No digan Singin' in the Rain si no vieron Charada o Two For the Road para confirmar a ciencia cierta que Stanley Donen es un genio y mucho mas que "Ah el de cantando bajo la lluvia".
El fantasma y la señora Muir se cruzan con Angel-a.
Hola amantes del séptimo arte, creo que es bastante obvio
comunicarles que no estoy escribiendo demasiado en el blog por falta de tiempo
porque... Salta a la vista. Lo cierto es que uno y particularmente si sos cinéfilo,
te das cuenta que el tiempo no te sobra cuando siquiera te molestas en elegir
una película para mirar y dejas que te lleve la corriente... Pero por suerte el
universo es bueno y se complota a favor de los cinéfilos a los que el tiempo no
le alcanza, y llamenle destino, azar o San Truffaut desde el más allá, te envían
films maravillosos de esos que ya tendrías que haber visto. Y este es uno de
ellos.
Lo primero es el director y el músico... Joseph Mankiewicz y Bernard Hermann. Desde el primer plano este film
escapa a los melodramas para meterse en una mezcla de climas fabulosos que van
desde el suspense "sobrenatural" hasta la comedia, pasando por el
romance y la tragedia. Montaña rusa de emociones en un film tan poético
que...se vuelve mas brillante con los años.
A veces pienso que los únicos amores posibles, son los
imposibles... El resto no son lo suficientemente cinematográficos para admirar
casi como si uno dijera "no vale si los amantes no se retuercen y
revuelven un poco, ¿adonde esta la gracia?" y este film es del grupo de
los “mas que imposibles”.
Creo que también califica para ser una de las películas más
femeninas o feministas de la industria de esta década que recuerde junto a
Mildred Pierce y All About Eve: el mensaje es claro y es que una es dueña de su
vida, para hacer lo que quiera: una viuda (la hermoso adorable y fantástica
Gene Tierney) aprende a mantenerse independiente solo cuando comienza a
imaginarse que es el capitán de un barco que se parece a Hemingway...
De hecho se dan cuenta de mi maldad ¿no? Y es que Mankiewicz maneja la estructura tan
sutilmente, que te mantiene en el limite de la cordura, lo verosimil y lo fantástico todo el tiempo... La irrupción
del capitán es de los momentos cinematográficos más brillantes de la historia
del cine. (La escena de ambos en la cocina, ¿Qué actor no mataría por una
escena tan genial?) . Sin adornos, lo que la hace más enigmática que uno duda
constantemente de cuan grande es la imposibilidad del amor.
El desapego. La distancia y el universo femenino que
habita esa casa: la madre, la hija y la mucama. Es casi como imposible...
Obviamente del mismo director que nos trajo a Eva, Margo y Karen. Este hombre
definitivamente conocía muy bien a sus mujeres.
La música de Hermann pasa por tantos climas como géneros
atravieza todo el film y un final de esos que te mantienen en vilo pensando
como el guionista va a solucionar y salir del conflicto que armó...y lo hace
con toda la gloria. Gloria solamente posible en 1940 con un naturalismo y una
soltura que ya se la deben envidiar todos -en especial Terrence Mallick-: Con
estructura, pensada desde el papel y pensando en la historia, sin tener que rezar
que se pueda salvar en post-producción.
Y para cerrar pensé que seria fantástico contrastar este
film con Angel-a de Luc Besson... si no estoy fumando nada prohibido por la
ley, otra historia en blanco y negro, con un amor imposible en donde el
protagonista aprende y logra salir de sus conflictos internos y externos luego
de su encuentro con una mujer mas grande que la vida misma,(literalmente) una
chica guarra que se comporta como un hombre...para mostrarnos que hoy en día
los melodramas con pasos de comedia y acelerados como la contemporaneidad
demanda todavía son posibles de constituirse como films memorables. Y ya que
estamos: el reflejo especular (por opuestos complementarios) de “El fantasma y
la señora muir”.
¡saludos amantes del séptimo arte!.
Los Musicales de Mi vida: Moulin Rouge! (2001)
Yo creo que la perfección no existe pero Moulin Rouge! existe! Así que tengo que escribir: si la perfección existe y es posible vislumbrarla en esta vida, yo la vi y puedo decir que desde entonces - allá por el 2002-, todas las demás películas contemporáneas palidecieron un poco y perdieron su brillo aunque como en todo soy la primera en admitir que hay excepciones, gente luminada como Todd Haynes que hacen que el mundo del cine no sea un lugar gris opaco y sin melodramas alucinantes... sin embargo y por mucho Moulin Rouge es LA PELICULA PREFERIDA NUMERO 1 de esta chica cinefila... y creo que lo será "untill my diying day!" porque en esta vida en la que estamos acostumbrados a que todo sea pasajero,... brille y se extinga tan de repente todavía ocurren esas cosas mágicas que el cine te hace, ese sentimiento irracional que dura para toda la vida y hace que digas "esta es LA pelicula de mi vida" ... una historia sobre una epoca (todas las epocas), una historia sobre un lugar (La gran pantalla... seamos honestos Moulin rouge solo existe y vive en y por la historia del cine) sobre las personas... pero sobre todo una historia de amor... un amor que vivirá para siempre (como mi amor por el cine, por Baz Luhrmann y por Ewan mc gregor interpretando a Crhistian XD)
Y ahora la escena... ¿que elegir de todo esto? sobre todo cuando la misma estructura del film hace que uno no pueda separarla entre "lo que no tiene música" y "los cuadros musicales" cuando es una catarata de recursos audiovisuales llevados al paroxismo de la perfección... voy a elegir lo que los fucking críticos de cine o encargados de los oscars no supieron ver cuando decidieron no premiar este film:
Come what may es la "única" composición musical escrita específicamente para el film... pueden debatir que tal vez no sea lo mas atinado de elegir para representar un film que es un remix sonante y constante... pero no se adelanten: Elijo Come what may porque dentro de todo la historia del film, cuando uno esta atrapado en el mar de la identificación u otros mecanismos, y escucha los primeros acordes de la canción de los "amantes", pasa algo extraordinario: de pronto no importa si la canción es "nueva" o "vieja", "original" o "de otro lugar"... cuando uno la escucha siente como si esta canción hubiera estado allí desde siempre... y de alguna manera así lo es: desde Fred cantandole a Ginger The way you Look tonight, hasta Tristán e Isolda, pasando por La traviata, la boheme y todo lo que ustedes quieran imaginar, eso es Come What May... y finalmente solo un ente sin sentimientos (sin intención de insultar a ningún ente en particular) podría no conmoverse cuando la volvemos a escuchar en el reprise del final... con ustedes la perfección:
Los Musicales de Mi vida: Lili (1953)
Este es el primer musical que recuerdo... (iba a empezar por mi amor Gene Kelly en Paris pero mejor let's begin por el comienzo) yo creo que tenía cuatro añitos o por ahí y un dia: mi abuela y mi tia estaban saltando de alegria, - literalmente- re emocionadas diciendo " (van a dar) Lili!!" y yo pensaba ¿Quien es lili? Lili es hermosa! ya vas a ver - me decian ellas y yo seguía sin entender porque tanta exaltación con esta persona a la que llamaban "lili"- ¿acaso era alguien que iba a caer de visita? ¿ algún pariente lejano?... Lili era esta chica que hablaba con unas marionetas y yo no podía entender como "el tipo ese amargo, así rengo podía ser tan malo con ella!" pero después resultaba que el villano tenía corazón... tenia tanto corazón que le daba vida a todas esas marionetas que Lili amaba...y por extension Lili (Leslie Caron) en el fondo (del teatro del corazon) lo ¿amaba? a el. (Mel Ferrer)
Veintiun años después esta canción, que cuando era una niña me parecia alegre, hoy me parece mucho mas amarga que alegre -se me saltan los lagrimones! vaya si no es amarga es TERRIBLE!!!- y no puedo evitar pensar que despues de todo se trata de una protagonista con serios problemas mentales -acaso no se les dice asi a los que "sueñan" demasiado?- y un corazon de oro del que el mundo se abusa, ella es como una marioneta (sin pasado=huerfana, Sin futuro=trabajo, familia, lugar donde vivir) ... pero eso son interpretaciones que llegan después, con el paso de los años... ¿será que cuando uno es chico uno es lili y cuando crece uno lo termina por entender porque Paul, el titiritero es tan "amargo"? (ni hablemos de ella que tiene como 16 y el que tiene como 45... ni del mago y la figura del padre ausente porque ahí si quiero romper todo...) Asi que Lili, un musical cuyo subtexto podría ser peor que dancer in the dark, resulta ser uno de mis films mas adorados: y efectivamente Lili es Hermosa y brillante en Technicolor... no tiene la culpa de que el mundo real no tenga colores tan hermosos y le falte la banda sonora de Bronislau Kaper. Con ustedes, Lili& las marionetas:
Que semanita!
Hace mucho que no escribo desde las criticas de Sucker Punch y The ward (ahora en la cartelera porteña! vayan que vale la pena entre tanto cine "para niños" y "sagas modélicas diseñadas para robar millones").
Tengo que escribir sobre un par de Films geniales y contemporáneos que estuve viendo: Potiche y Medianoche en París y no precisamente "geniales" por ser el colmo de la originalidad o la historia mas increíble jamás contada, con los efectos visuales mas impactantes en glorioso 3D, sino simplemente -y esto es tremendo- por estar contados de una brillante manera audiovisual hermosas comedias "sutiles" -comparadas a las que salen de Apattow y .cia) ambas lidiando -una mas específico y otra mas subrepticiamente- con el concepto de pasado y década en particular de la historia a la cual miramos o admiramos con la nostalgia que sus directores desean mostrarnos.
(listo ahi escribí! jajaja y ahora los trailers:)(ahh y ahora: cualquier similitud con Demy, y la presencia de ese duo de actores fantásticos como Deneuve/Depardieu y que la mente te salte a recordar el ultimo metro y tantas otras.... es mera habilidad de F. Ozon)
Pasó el día del amigo y no hice el post sobre películas "para ver con amigos y enemigos" que tenía planeado hacer... sino que decidí celebrarlo mirando cine con gente que si vale la pena y no te dejan clavados al piso de tu cocina con un cuchillo de carnicero (lean el párrafo que sigue)... o sea el dia a lo grande con Clásicos ya saben: comida, Rock Hudson, Shirley M, Paul N, Gene K y tu mejores BF's para chusmear y despotricar... con los amigos no se puede cagarla mirando algo nuevo de la cinematografía cantonesa... afortunadamente disfrutamos del cine mas perfecto -solamente porque es el que mas conocemos- el de antes... cuando la MGM y Universal estaban construyendo la historia y no siendo un recuerdo"nostálgico" del pasado...
Después entre medio de todo hubo par de pelis de culto: la chica de la Motocicleta -con la divina hermosa y ¿ya dije divina? Marianne Faithfull y el -pa el arrebato- Alain Delon en 1968 ni más ni menos; además de Shallow grave en donde no sólo terminas decidiéndote por no mudarte con tus amigos a un departamento sino que te deja con el amargo horror de tener que preguntarte: ¿en que momento Danny Boyle dejó de ser interesante? ¿ cuando dejó de rodar sus films con Ewan?... -yo creo que después de los Zombies cuando quiso poner el pie en USA.-
¡Quiero ver Begginers con Ewan! -expresión de deseo personal completamente irrelevante en medio del post pero vean que lindo traileeeeeeeeer, ya puedo anticipar que lloraré como una condenada y esas cosas saben-
Y a parte tremendo ayer se nos fue Amy Winehouse poniendo con su vida un grano de arena mas al mito de los 27 años musico excesivo y apocalíptico (por los finales fatídicos lo digo obvio!)... y el terrorista noruego de ultraderecha miraba True Blood y Dexter!!! mi humor negro es un mecanismo de mi personalidad, y mas que nada ironizo porque los datos salieron de fuentes "periodísticas" y a veces solo a veces me molesta demasiado que las personas intentemos buscar un significado después de que las cosas suceden: decimos cosas como "es obvio con la vida que llevaba" o "es obvio si miraba esas series y escribía esos estados de facebook" porque si era "tan obvio" ni Amy estaba muerta, ni el noruego habría salido a matar a muchos norueguitos mas... el único significado es que la vida no lo tiene así de claro... a veces las cosas suceden y a veces las cosas que suceden tienen un significado tan profundo que no lo podemos ver - o no nos conviene verlo- y decimos cosas superfluas para sentirnos mejor habiendo creído que encontramos la respuesta a algo... si ese fue el momento Funny Games del día: ¿por qué? ¡Porque si!
Saludos amantes del Septimo arte!
PD: no voy a escribir otros post sobre las pelis comentadas para calificarlas: todas son muy buenas, ¡véanlas!
Saludos amantes del Septimo arte!
PD: no voy a escribir otros post sobre las pelis comentadas para calificarlas: todas son muy buenas, ¡véanlas!
Una adivinanza...
Es considerablemente fácil, igualmente las pistas para estas (3) películas son:
El lo apoyaba en las buenas y en las malas, mas que amigos...hermanos. Acá quería que lo llevara al lago, pero el dia estaba un poco ventoso
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Ella se apresuraba a ofrecerle sus muffins y él a mostrarle las píceas altas... tan altas eran que sólo el cielo sabe cuanto medían.
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y finalmente El es tan pero tan ... ¿gato? ¡magnífico!, que está en el quirófano y opera sin camisa si quiere. así que adivinen! títulos de los film, director, y si lo saben actor/actriz o lo que quieran decir! (en la semana la respuesta con un post hermososo (que es mas que hermoso obviamente!). Saludos!!! |
La chiqui es una diva!
Los otros días tuve el agrado de ver “El amor nunca muere” y contrario a lo que puedan suponer con ese título no hay vampiros inmortales enamorados, acá los amores son melodramáticos y por ende mueren…
Un film en episodios, dos de ellos dirigidos por Amadori (y si no agrego ya mismo en este post la siguiente oración: el mismo director del film “Que dios se lo pague” entre otros… mi abuela cinéfila y pacifista me golpearía mucho. Supongo que sería el equivalente de 1955 a Cukor con sus mujeres… hacer un film con: Zuli Moreno, Mirtha Legrand y Tita Merelo.
Es mas ya que vamos a buscarles equivalentes “extranjeros” aquí tienen los que mi imaginación cinéfila les buscaba a las señoras que protagonizan esto:
Zuli moreno por ser la “esposa” de Amadori… es como la Ingrid Bergman de esto. (bastante corpulenta, alta con porte y cara redonda, parece una lady pero siempre esta media enloquecida…)
Mirtha Legrand casada con un productor reconocido de estos lares y su estilo de papeles un tanto rosa la convierten en la Norma Shearer local.
Y finalmente esta Tita, ¡¡ ¿que puedo decir de tita!!?… con el papel que tiene acá y en general, ella es como la Anna Magnani local: gritona, con carácter fuerte, bastante rea y madre enloquecida dispuesta a todo…
¡Cuanto Glam habia para tirar al techo para este film! (Jamás en la vida nadie me dijo que Alfredo Alcon de joven y con frac se veía así… tan apetecible a los ojos) Lo cierto es que lo primero que me capturó la atención fue el vestido de la chiqui en su episodio sobre el cinematógrafo (a mi parecer el mejor de los tres) y como este era casi el mismo diseño que el de Gigi en el film de Vicente Minnelli saben… tengo memoria casi fotográfica: las aves en los costados del escote son inconfundibles, y por supuesto conozco la anécdota de cómo Cecil Beaton que diseñó los trajes de ese film se animó a colocarle “golondrinas” al escote de Caron… pero imagínense mi sorpresa cuando comparé fechas y el film de Amadori es de 1955 mientras que el otro es de 1958…en fin supongo que 1896 -año mas año menos- era bastante común usar aves en los escotes… Y sin embargo allí estaba pensando en los pájaros de la chiqui y el cotorreo al respecto de esta señora hoy por hoy… ¿y que quieren que les diga?...
Yo creo que la chiqui es una diva, es mas está recorriendo el mismo camino de esas divas de antes: luego de una gloriosa carrera cinematográfica, se vio confinada al espacio televisivo…(inserte adjetivo que se quiera para caracterizar a la TV local). Primero supongo que hay que aprender a convivir con el cambio: no importa cuanto lo pretendamos, la tv no es cine… ¿no? La vida de Mirtha es casi digna de una trama viscontiana sobre la decadencia de una época y el confrontación con los valores contemporáneos de las generaciones jóvenes, ella es como Burt Lancaster en “Grupo de familia” (había pensado en “El gatopardo” mas pero bue creo que grupo de familia se ajusta mejor) y saben ¡debe ser un horror!: si yo, que tengo 25 años veo cada cosa a mi alrededor y a mis 25 me encuentro despotricando contra las nuevas formas y cierta juventud como si fuera una anciana (lo cual me saca soberanamente que la contemporaneidad me haga sentir una anciana de 25 años) porque antes… antes por lo menos teníamos que esperar 30 años mínimo para que algo de una generación mas jóven nos molestara y arrancáramos con el “discurso melancólico”… ¿pero ahora? Seamos honestos: hay días que prendo la TV y no puedo creer que nos condenen a tener la televisión que tenemos, veo los últimos estrenos de cine y pienso ¿me están tomando por estúpida, nos están tomando por idiotas? ¿Remake de Freddy Kruger? ¿Nominaciones al oscar para 127 horas y The social Network? ¿WTF?
Entonces esta Mirta, figura que recibe y da palos a cuatro manos… Palos que evidentemente no comparto ni de ida ni de vuelta. Y entonces pienso que la única diva que salió bastante ilesa de todo – desde el paso del mudo al sonoro, y del sonoro a la posteridad- fue Greta Garbo. Y eso es sobre todo, porque ella supo cuando retirarse, y nos evitó las penurias de tener que verla decaer y quedar demodé frente a las nuevas formas… nunca llegamos a ver una Garbo decadente, hablando sandeces, ni a los medios, ni a ella misma destruir la imagen que supo conseguir. Y ni hablemos de los negocios inmobiliarios que esta “diva” obtuvo (era dueña de gran part e de Beverly Hills) y que hicieron posible su mejor y mas elocuente frase: “I just want to be alone” hundiendose en ese halo de misterio reservado solamente para las mejores historias del cine.
Pero cerremos con lo mejor de este post que es el episodio de Amadori en El amor nunca muere: es la quinta esencia de “la magia del cine”, el cine que refiere al cine, pero que mas que referir lo ubica en un pedestal: se dedica a esas primeras décadas en donde, de verdad, la naturaleza del cinematógrafo estaba mas próxima a la magia que a la industria, un episodio para ridiculizar a las clases altas, -como se debe hacer si se habla de un espectáculo “popular”- y que a su vez encierra una trama de esas que nos gustan comernos a las chicas: amores imposibles que por suerte solo quedan reservadas a la ilusión cinematográfica y eso, esa artificialidad que termina en un marco casi digno del “neorrealismo Desica” de las primeras épocas: con la pareja protagonista desprovista de “sus disfraces” de ricos, ahora están del lado del pueblo, el de “marinero” ella de “vendedora” caminando hacia el horizonte, un futuro incierto, esta amaneciendo en la ciudad, la cámara encuadra el cielo. La música asciende. El final es perfecto: la cámara encuadra un póster que enuncia las gracias del cinematógrafo mientras la pareja de actores con sus disfraces de personajes se alejan de la escena... El mecanismo ha obrado su magia sobre nosotros.
Personajes Malditos (que me gustan admirar)
Hoy, todo el mundo –del cine- esta hablando de esto:
Me parece como si Lars se hubiera mimetizado con Peter Griffin de Padre de Familia y estuviera haciendo una declaración… (para mi es claro que es una humorada a la danesa) pero no voy a entrar a debatir porque no lo defiendo a Lars ni estoy a favor de él, estoy ahí en otra vereda pensando que: Lars no es ningún tonto, sabe usar los medios, y creo que le dio a los medios , no la “solución final” pero les dio lo que mas le gusta a los medios: el de deformar y magnificar haciendo una perorata increíble de un tema demostrando las repercusiones negativas y el control que estos tienen de la opinión publica: en pocas palabras ahora no me quieren distribuir Melancholia en mi país y eso si que me altera mucho. ¿Acaso estamos todos locos?
Entonces me puse a pensar en lo siguiente:
Alfred Hitchcock decian era un obsesivo que convertia a sus actrices en las mujeres que quería.
Woody Allen se acostó con la hija adoptiva de su esposa, con la que luego se casó y formó “una familia”…
Roman Polanski esta acusado de Violación desde los 70… a parte de que se sacó fotos en la misma habitación en donde asesinaron a su mujer al lado del charco de sangre –pidiendo justicia obviamete-
Pier Paolo Pasolini ¿Qué crimen no le achacaron a Pasolini?: abusador de menores, apaleado y linchado hasta la muerte dicen que por su amante, dicen que por un plan… dicen siempre dicen
Orson Wells: ¿Cuántas personas que escucharon su “Show radial” se mataron, accidentaron o etc? … claro el consigue un contrato en Hollywood… Hace el Ciudadano y de pronto, porque se metía con un millonario resulta que era la peor basura del universo con el film más “malo” de la historia.
Y que me dicen de los actores:
Nadie salta por las personas de extrema derecha con historial de declaraciones detestables, gente como Alain Delon, y ni hablemos de la Bardot que representan la "derecha" francesa que más racista imposible...
Nadie salta porque durante décadas y décadas el sistema obligó a los artistas a esconder su verdadera sexualidad, incluso armando matrimonios por contrato... empecemos con Rock Hudson, Clark Gable, Cary Grant y luego abramos algunas revistas para ver el más reciente caso de "emparejamiento asociado a la promoción de un film"...
Que me dicen de: los borrachos – perdón si son millonarios con clase se les dice “Alcohólicos”-, golpeadores de mujeres y muchos vicios más que se le adjudican desde Sinatra, pasando por Connery, Lawrence Olivier hasta llegar a Michael Fassbender
A ver ahora yo digo ¿acaso por lo que se diga lo que se diga o digan lo que digan ellos mismos por su cuenta me van a dejar de gustar menos sus films?
Algo que me enseña la vida es que el mundo del espectáculo no tiene memoria… o mejor dicho “tiene memoria cuando le conviene”, entonces, yo que tengo una memoria – bastante frágil porque es humana vieron, también tengo ram y discos rígidos para ayudarla- considero que una cosa es la obra, los films y otra cosa son los paratextos mas o menos afortunados que sus autores o involucrados le agregan a ella. ¿Me voy a ofender y dejar de mirar el cine de Lars? ¿Voy a dejar de morirme por Alain Delon en esos films de los 60 y 70 que tiene geniales? ¿La Bardot es menos fundamental como icono y sex symbol pese a sus ideologías? ¿Van a ser menos ideales de Galan Cary grant y cia? ¿Voy a hacerle caso al propio Pasolini y dejar de mirar su trilogía solo porque el abjura de ella?... I don’t think so!!
Lars no te disculpes por agregarles paratextos a tu obra! -Que si no los sumas vos, ya se encargan otros de hacerlo-
¿Acaso van a sacar la película de Cannes después de haberlo declarado "persona non grata"? o ¿ustedes dejar de verla diga lo que Lars diga y digan lo que los medios digan?
El Ciudadano
Hoy, además del día del trabajador, -que paradójico- es el día en el que se cumple el 70 aniversario del estreno del film -del primer, no se si trabajador, pero primer "algo habrán leído" seguro- del genial Orson Welles.
Pero ¿como se instaura este estatus de obra maestra? ¿Acaso un grupo de críticos malvados se encerraron en un cuarto y pactaron esto para contárnoslo como si fuera un cuento? -Si eso ha pasado pero en su momento para intentar hundirla y por eso fue un "fracaso" comercial-
Lo cierto es que no se si parte de mi que siente envidia ante la brillantez de esta figura y que en sus veinti-pico ya se hubiera consolidado como : "el" director de teatro, "el" programador de radio y "el" director mas irreverente del momento tenga algo que ver con esto de que Orson Welles no sea uno de mis directores predilectos... pero eso no quita -mas vale!!!- que lo considere un genio admirable increible y de una visión tremenda.
De hecho olvídense que les diga aquí, y mal redactado, lo que muchos teóricos mas interesantes y críticos mas brillantes que yo han dicho acerca de este hombre mas grande que la vida misma, con una película mas grande que la vida misma, y a sus espaldas cargadas todas las artes dramáticas y un manejo de los medios y de su propia figura mediática, como pocos -yo diría que hay uno solo después de el y es Hitchcock- pudo constituirse en este mito que ya no sólo es de la historia de la cinematografía mundial, sino de la historia del siglo XX... Orson Welles como personaje histórico es tan o mas importante que el 1 de mayo -espero no lastimar los sentimientos de algún "militante" socialista que ronde por la web-.
Con el Ciudadano, Wells hizo algo que realmente revolucionó la industria, en 1941, todavía estabamos a tiempo de pensar en revoluciones -que ojalá muchos repitieran o recordaran- se calzó la figura de uno de los hombres mas ricos y mas importantes -la importancia se mide por poder- y en su film denunció a diestra siniestra -como quieran: manierista, melodramaticamente, con esa fotografía increible de Toland- el monopolio, la corrupción y esas cosas que hoy mas que nunca nos siguen taladrando la cabeza: la manipulación -en los cada vez mas prolíficos- medios de comunicación.
Tal vez lo único que nos queda pensar es, cual argumento de película de Capra, ¿que hubiera sido de nosotros si el ciudadano no hubiera existido? ¿Si Orson Welles no hubiera nacido? para poder entender porque esa manga de críticos e historiadores y demás se empeñan en decir que es una de las películas mas importantes de la -demasiado extensa y poblada de producciones- historia del cine.
Pero ¿como se instaura este estatus de obra maestra? ¿Acaso un grupo de críticos malvados se encerraron en un cuarto y pactaron esto para contárnoslo como si fuera un cuento? -Si eso ha pasado pero en su momento para intentar hundirla y por eso fue un "fracaso" comercial-
Lo cierto es que no se si parte de mi que siente envidia ante la brillantez de esta figura y que en sus veinti-pico ya se hubiera consolidado como : "el" director de teatro, "el" programador de radio y "el" director mas irreverente del momento tenga algo que ver con esto de que Orson Welles no sea uno de mis directores predilectos... pero eso no quita -mas vale!!!- que lo considere un genio admirable increible y de una visión tremenda.
De hecho olvídense que les diga aquí, y mal redactado, lo que muchos teóricos mas interesantes y críticos mas brillantes que yo han dicho acerca de este hombre mas grande que la vida misma, con una película mas grande que la vida misma, y a sus espaldas cargadas todas las artes dramáticas y un manejo de los medios y de su propia figura mediática, como pocos -yo diría que hay uno solo después de el y es Hitchcock- pudo constituirse en este mito que ya no sólo es de la historia de la cinematografía mundial, sino de la historia del siglo XX... Orson Welles como personaje histórico es tan o mas importante que el 1 de mayo -espero no lastimar los sentimientos de algún "militante" socialista que ronde por la web-.
Con el Ciudadano, Wells hizo algo que realmente revolucionó la industria, en 1941, todavía estabamos a tiempo de pensar en revoluciones -que ojalá muchos repitieran o recordaran- se calzó la figura de uno de los hombres mas ricos y mas importantes -la importancia se mide por poder- y en su film denunció a diestra siniestra -como quieran: manierista, melodramaticamente, con esa fotografía increible de Toland- el monopolio, la corrupción y esas cosas que hoy mas que nunca nos siguen taladrando la cabeza: la manipulación -en los cada vez mas prolíficos- medios de comunicación.
Tal vez lo único que nos queda pensar es, cual argumento de película de Capra, ¿que hubiera sido de nosotros si el ciudadano no hubiera existido? ¿Si Orson Welles no hubiera nacido? para poder entender porque esa manga de críticos e historiadores y demás se empeñan en decir que es una de las películas mas importantes de la -demasiado extensa y poblada de producciones- historia del cine.
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